История дизайна
СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО 1945-60
Вступление
1940-50-е годы были периодом перехода от строгости и аскетизма Второй мировой войны и последовавших за ней ограничений и нужды к бурному новаторскому стилю 1960-х годов. Побуждаемое модернистскими принципами функционализма, Современное искусство определялось новыми материалами и развитием технологий для их эффективного использования, а также духом оптимизма и уверенности. Это был период расцвета дизайна с подчеркнутыми рельефными формами, яркими красками и практичными решениями для нужд повседневной жизни.
Радикально новая коллекция Кристиана Диора изменила лицо современного стиля моды и в то же время дала новое имя общему эстетическому направлению. Коллекция Диора "Новый взгляд" пронеслась над миром, как ураган. Округлые очертания его творений явились противоположностью военной моде. Новое направление моды определяла фигура в виде "песочных часов", с плотно облегающим покроем одежды и набивкой, что являлось поразительным и экстравагантным контрастом по сравнению со строгими неэстетичными жакетами с квадратными плечами, в которых ходили во время войны. Однако для воплощения скульптурных фантазий Диора требовались дорогие ткани. Но из-за острой нехватки сырья во многих странах, которые испытывала даже Великобритания, новые модели Диора встречали шумный протест. Но "Новый взгляд" внес свежую струю после строгости военного времени.
Коллекция Диора 1947 г. произвела эстетический сдвиг вкусов и на женскую одежду, и на столовую посуду. После войны в работе дизайнеров ощущался молодой задор, и их проекты излучали новизну и оптимизм. Усилия, прилагаемые во время войны, привели к появлению новых материалов и технологий, которые оказали влияние на стиль того времени. Внешний вид повседневных изделий определяли пластмасса и металл, слоистая древесина и синтетические материалы. Пенорезина и эластичный трикотаж, применяемые для обивки мебели, подчеркивали криволинейность форм. Литые алюминиевые конструкции и стальная арматура мебели раздвигали границы между конструкцией и формой, придавая изделиям прочность и эстетичность.
Состояние послевоенной американской экономики и вызванный им потребительский бум привел к расширению рынков сбыта. У американских производителей имелись средства для вложений с целью улучшения качества товаров. Итальянцы назвали послевоенный период псойпшопе, подчеркнув идею обновления и оживления стиля. В Швеции, Дании и Финляндии обрело свою форму эстетическое направление Скандинавского Модерна, который оставил яркий след в конце 20 в. Прикладное искусство находилось под сильным влиянием абстрактного искусства и скульптуры. И нигде эта взаимосвязь не была представлена с такой полнотой, как в Америке, где новая культурная общность и гегемония превзошли все предшествующие художественные достижения.
В 1950-е гг. в Америке царил дух несокрушимости и оптимизма, и это находило отражение в образе жизни людей и благоустройстве своих домов. Американские потребители среднего класса очнулись после войны, как куколка бабочки, и это поддерживало мощь американской экономики. Высокие технологии и невысокая стоимость массовой продукции доказали, что даже в повседневной жизни города можно соблюдать чистоту и порядок. Новые приспособления для кухни и домашней уборки изменили роль женщины в доме, что привело к изменению взаимоотношений полов в семье. Послевоенное развитие автомобильной промышленности означало, что машины стали доступными для большего числа людей. Началась эпоха путешествий на реактивных лайнерах, благодаря чему границы между странами стали менее четкими, и взаимовлияние культур стало более активным. Искусство дизайна явилось тем катализатором, который определял новый образ жизни того времени, и дизайнеры многих стран очень серьезно отнеслись к своей роли формирования нового будущего.
В основе Современного искусства лежало положение, что функции предмета должны быть ясно выражены в его внешнем оформлении, т. е. должна прослеживаться взаимосвязь между предметом и его дизайном. Важнейшая теория была справедлива как для изделий массового производства, так и для предметов ограниченного спроса. Эта концепция являлась в какой-то мере продолжением Модернизма и существовала еще до войны, признаки ее наметились еще в Школе Баухауза в Европе. То, что на смену прежним архитекторам и дизайнерам во время и после войны пришли новые, означало, что идеи и решения, берущие начало в Модернизме, получили повсеместное распространение во многих странах.
В улучшении внешнего вида изделий были заинтересованы не только хорошо осведомленные в этом вопросе производственные предприятия, но также и международные выставки способствовали развитию ценных и динамичных инициатив. После тяжелой послевоенной депрессии Британская выставка 1946 г. и фестиваль 1951 г. дали толчок к появлению на рынке красиво оформленной продукции. Миланская Триеннале также послужила местом притяжения новых проектов. Там впервые были показаны многие интересные произведения 1940-50-х гг. Программа выставок и конкурсов, развернутая в Музее современного Искусства в Нью-Йорке, особенно Выставка природного дизайна в оформлении домов, ознаменовали новое художественное направление: Конструктивный Модернизм, который просто включил в себя то, на чем остановился Модернизм перед войной. Законодателями моды в изобретении этих новых конструктивных форм в мебели и архитектуре были Чарльз Имс и Эро Сааринен. Органичный биоморфный дизайн оказал первостепенное влияние на Современное искусство.
Послевоенный стиль Скандинавских стран лучше всего проявился в творчестве Тапио Вирккала в вазах "Кантарелли", по своей форме напоминающих грибы лисички, которые он выполнил для компании "Йиттала" в 1946 г. В этих и других произведениях Вирккала ощущается абстрактная сущность самой природы. Вирккала так-же прославился чашами в форме листьев из слоистой древесины и мебелью, в формах и материале которой отражалась гордая красота природы. Чувственные изгибы и эффектные очертания, проявившиеся в скандинавском Современном искусстве, более напыщенных изделиях итальянских мастеров и претенциозных работах американцев сформировали целое поколение потребителей, оценивших мастерскую продукцию послевоенных лет.
Скульптура того времени оказывала влияние на современный стиль интерьера. Такие мастера, как Джин Арп, Константин Бранкузи, Генри Мур и Барбара Хепворт, создавали величественные произведения скульптуры с чувственными закругленными формами. Опыт этих мастеров изучался и вдохновил дизайнеров 1950-х г., которые использовали новые технологии и материалы, например гнутую и слоистую древесину, и создавали из металла и дутого стекла современные монолитные произведения изогнутых форм. Дизайнеры предпочитали гладкую поверхность натуральной древесины, излюбленными материалами стали нержавеющая сталь, мрамор, кожа и шерсть. На мебели почти отсутствовал декор, равно как и рисунок, и подчеркивание фактуры материала. Абстрактная живопись и скульптура оказывали влияние на все виды мебели. Гладкие и плавные контуры изделий из керамики и стекла диктовались качествами скульптуры, поверхность же керамических изделий, тканей и обоев украшалась абстрактным рисунком.
Период расцвета "Нового взгляда" Кристиана Диора совпал с появлением нового поколения выдающихся мастеров. Новое направление оказывало влияние на изделия из керамики, стекла, металла, ткани и мебель, причем некоторые дизайнеры создавали произведения в различных областях искусства. Для дизайнера той эпохи стало вполне обычным спроектировать современный телевизор, а после этого создать эскизы для одной из лучших европейских фирм по выпуску фарфора. Такой многогранной личностью был Рэймонд Лоуи, который был замечательным художником-графиком и в то же время проектировал автомобили, осветительные приборы, радиоприемники, изделия из фарфора, ткани и мебель.
1940-50-е гг. занимали особое место в развитии прикладных искусств. Вслед за интересными произведениями данного периода последовали скучные имитации, которые настроили целое поколение против стиля интерьера данного периода. В большом количестве выпускались неинтересные и неудобные плоские диваны, амебоподобные кофейные столы и изделия, по форме напоминающие почки. Многие из этих посредственных изделий доказали живучесть Современного искусства, но иногда таили в себе нечто непостижимое, что делало данный период поистине вдохновляющим.
